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This volume brings together renowned scholars and early career-researchers in mapping the ways in which European cinema —whether arthouse or mainstream, fictional or documentary, working with traditional or new media— engages with phenomena of precarity, poverty, and social exclusion. It compares how the filmic traditions of different countries reflect the socioeconomic conditions associated with precarity, and illuminates similarities in the iconography of precarious lives across cultures. While some of the contributions deal with the representations of marginalized minorities, others focus on work-related precarity or the depictions of downward mobility. Among other topics, the volume looks at how films grapple with gender inequality, intersectional struggle, discriminatory housing policies, and the specific problems of precarious youth. With its comparative approach to filmic representations of European precarity, this volume makes a major contribution to scholarship on precarity and the representation of social class in contemporary visual culture.
How do film and television makers around the world depict public housing? Why is public housing so often chosen as the backdrop for drama, horror, social critique, rebellion, violence, artistic creativity, explorations of race relations and political intrigue? Home Screens answers these questions by examining the ways in which socialized housing projects around the world are represented on screen. The volume brings together a diverse group of interdisciplinary scholars, who explore documentary and fictional portrayals of the architecture of public housing, and the communities that inhabit it, ranging from the 1950s to the present. Examining international film and media texts such as Die Architekten (1990), Swagger (2016), Cooley High (1975), Mee-Pok Man (1995), Treme (20102013), Mamma Roma (1962), The Pruitt-Igoe Myth (2011), and Below the Lion Rock (19721976), essays within this book consider public and private attitudes toward socialised housing, explaining how onscreen representations shape perceptions of these ubiquitous, often-stigmatized urban locations.
Psychoanalysis has always been based on the eclipse of the visual and on the primacy of speech. The work of Jacques Lacan though, is strangely full of references to the visual field, from the intervention on the mirror stage in the Forties to the elaboration of the object-gaze in the Sixties. As a consequence, a long tradition of film studies used Lacanian psychoanalysis in order to explain the influence of the subject of the unconscious on the cinematographic experience. What is less known is how the late Lacanian reflection on the topic of analytic formalization opened up a further dimension of the visual that goes beyond the subjective experience of vision: not in the direction of a mystical ineffable but rather toward a subtractive mathematisation of space, as in non-Euclidean geometries. In an exhaustive overview of the whole Lacanian theorization of the visual, counterpointed by a confrontation with several thinkers of cinema (Eisenstein, Straub-Huillet, Deleuze, Ranciere), the book will lead the reader toward the discovery of the most counterintuitive approaches of Lacanian psychoanalysis to the topic of vision.
La parola «femminista» non conosce mezze misure: la ami o la odi, la dici o la bruci. E ancora dopo anni da quando è stata usata per la prima volta continua a evocare una grande varietà di significati, immagini e letture. Sembra arduo pensare a una definizione che ne comprenda le diverse sfumature e ne mostri l'evolversi nel tempo e nello spazio. Eppure, in questo saggio, Vanessa Roghi riesce a farlo in modo brillante. Unendo la propria storia a quella con la S maiuscola, l'autrice ricorda il femminismo in cui era immersa da bambina, fatto di fiabe senza principesse e riunioni del collettivo di cui faceva parte la madre, e quello vissuto da giovane donna, tra manifestazioni in piazza, di...
Andrea Arnold gilt als eine der markantesten Filmemacherinnen des britischen Gegenwartskinos. Ihr Kurzfilm "Wasp" wurde 2005 mit einem Oscar ausgezeichnet, zahlreiche ihrer Filme liefen international erfolgreich auf Festivals und wurden vielfach prämiert. Gemeinsam ist Filmen wie "Fish Tank" (2009) oder "American Honey" (2012), dass sie zielsicher 'in die Magengegend' treffen. Sie adressieren soziale Fragen, die immer auch wehtun. So fuhren die Filme mit fast schon dokumentarischem Blick an die Ränder der Gesellschaft in heruntergekommene Sozialwohnungen, schäbige Motels, auf abgelegene Parkplätze. Meist heftet sich die Kamera an junge Frauen – zornige Teenager oder viel zu junge Mutter –, die mit Vehemenz für das einstehen, was ihnen wichtig ist. Mit ihrer offenen, mitunter improvisierten Erzählweise scheinen die Filme ähnlich 'umherzustreifen' wie ihre Figuren. Arnolds viel beschworener 'Sozialrealismus' registriert zwar präzise die Effekte des Milieus, interessiert sich jedoch mindestens ebenso sehr für die Handlungsmacht des Individuums innerhalb des sozialen Gefüges.
Die Arbeit beschäftigt sich mit der Frage, wie Subjektivität als wesentlich geschichtlich gefasst werden kann. Ein aktuelles Problem besteht darin, den Begriff der Subjektivität mit der Idee der Geschichtlichkeit in Einklang zu bringen. Um dieses Problem zu lösen, schlägt die Arbeit vor, auf Schellings Frühwerk, insbesondere das System des transzendentalen Idealismus, und auf Heideggers Daseinsphilosophie zurückzugreifen. Im ersten Teil wird eine Perspektive auf Subjektivität entwickelt, die auf einer Praxisauffassung basiert. Dabei werden Schelling und Heidegger kritisch interpretiert und in den aktuellen Debatten zum Naturalismus und zur Perspektive der ersten Person angewendet. Im zweiten Teil wird der Fokus themenspezifisch auf die Geschichtlichkeit gerichtet. Hierbei werden insbesondere Schellings früher Zeitbegriff und Heideggers Theorie der Geschichtlichkeit des Daseins diskutiert und mit Blick auf die Frage der personalen Identität in der Zeit aktualisiert. Die Monografie richtet sich an Forscherinnen und Forscher der klassischen deutschen Philosophie, der Hermeneutik, der Philosophie der Praxis sowie der breit gefassten Philosophie des Geistes.
Friedrich Wilhelm Murnau (1888–1931) zählt zweifellos zu den bekanntesten Namen der Filmgeschichte, seine herausragende Bedeutung für die Geschichte des deutschen und internationalen Films ist unumstritten. Zu den Regisseuren, die maßgeblich von Friedrich Wilhelm Murnau beeinflusst wurden, gehören Alfred Hitchcock, Jean Renoir, Marcel Carné, Eric Rohmer, Werner Herzog und Terrence Malick. Vor dem Hintergrund der entschiedenen Modernität der Filme seines großen Weimarer Antipoden Fritz Lang hat die Forschung dabei das Murnau-Bild eines 'tragischen Romantikers' bzw. 'melancholischen Poeten' des Kinos gezeichnet und dessen Züge vornehmlich am Beispiel einiger weniger Filme herausgearb...
Dimenticato dagli eredi più o meno degni della tradizione del movimento operaio, Marx viene invece letto, citato e celebrato dagli organi di stampa della grande finanza mondiale, dall’“Economist” al “Financial Times”. Un paradosso solo apparente, che si spiega con il crescente interesse delle classi dominanti verso la grande ambizione del metodo scientifico marxiano: disvelare le “leggi” di movimento del capitalismo per tentare di anticipare le sue traiettorie. La più rilevante di queste “leggi” trae origine dalla feroce competizione tra capitali che ogni giorno sui mercati determina vincitori e vinti, con i primi che “uccidono e mangiano” i secondi: è la cosiddetta tendenza verso la centralizzazione dei capitali in sempre meno mani, che inedite tecniche di ricerca consentono oggi di verificare empiricamente. Ma questa tendenza non riguarda solo la sfera economica. La sua forza dirompente agisce a tutti i livelli e contribuisce a delineare i tratti distintivi di questo tempo carico di minacce: dal declino delle democrazie liberali alle recrudescenze imperialiste, fino ai nuovi venti di guerra globale.