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MacDowell
A timeless tale of human strength and weakness set in one of the most vibrant periods of American musical history, MacDowell traces the composer's rise from humble beginnings in lower Manhattan to the pinnacle of musical fame, and the precipitous fall from grace that followed.
Jean Sibelius and His World
New perspectives on the greatest Finnish composer of all time Perhaps no twentieth-century composer has provoked a more varied reaction among the music-loving public than Jean Sibelius (1865–1957). Originally hailed as a new Beethoven by much of the Anglo-Saxon world, he was also widely disparaged by critics more receptive to newer trends in music. At the height of his popular appeal, he was revered as the embodiment of Finnish nationalism and the apostle of a new musical naturalism. Yet he seemingly chose that moment to stop composing altogether, despite living for three more decades. Providing wide cultural contexts, contesting received ideas about modernism, and interrogating notions of...
Giuseppe Verdi
This comprehensive research guide surveys the most significant published materials relating to Giuseppe Verdi. This new edition includes research since the publication of the first edition in 1998.
Stories of Tonality in the Age of François-Joseph Fétis
Stories of Tonality in the Age of François-Joseph Fétis explores the concept of musical tonality through the writings of the Belgian musicologist François-Joseph Fétis (1784–1867), who was singularly responsible for theorizing and popularizing the term in the nineteenth century. Thomas Christensen weaves a rich story in which tonality emerges as a theoretical construct born of anxiety and alterity for Europeans during this time as they learned more about “other” musics and alternative tonal systems. Tonality became a central vortex in which French musicians thought—and argued—about a variety of musical repertoires, be they contemporary European musics of the stage, concert hall, or church, folk songs from the provinces, microtonal scale systems of Arabic and Indian music, or the medieval and Renaissance music whose notational traces were just beginning to be deciphered by scholars. Fétis’s influential writings offer insight into how tonality ingrained itself within nineteenth-century music discourse, and why it has continued to resonate with uncanny prescience throughout the musical upheavals of the twentieth and twenty-first centuries.
Afterlives of Romantic Intermediality
Afterlives of Romantic Intermediality addresses the manifold, even global artistic developments that were initiated by European Romantics. In the first section, the contributors show how the rising perspective of intermediality was discussed in philosophical terms and adapted itself to Romantic literature and music. In the second section, the contributors show how post-Romantic writers, visual artists, and composers have engaged with Romantic heritage. By exploring primary works that range from European arts to Latin American literature, these essays focus on the interdisciplinary developments that have emerged in literature, music, painting, film, architecture, and video art. Overall, the contributions in this volume demonstrate that intermedial connections—or sometimes the conscious lack of such connections—embody intriguing aspects of modernity and postmodernity.
Elektroakustische Musik in der DDR
Elektroakustische Musik hat auch vor der DDR nicht Halt gemacht: Es wurden westliche Werke rezipiert und auch, wenn es erst ab Mitte der 80er Jahre geeignete Studios in der DDR gab, haben einige Komponisten kreative Möglichkeiten gefunden, sich mit elektroakustischer Klangerzeugung und -bearbeitung zu beschäftigen. Im vorliegenden Band werden die treibenden Akteure und Institutionen, zu denen neben Studios auch Festivals und Ensembles gehörten, beleuchtet. Es wird zudem der Frage nachgegangen, wie die elektroakustischen Kompositionsmittel in den Werken, die in der DDR entstanden sind, eingesetzt wurden und ob es hier einen Zusammenhang mit den ästhetischen Vorgaben der DDR-Kulturpolitik gab. Anhand von zeitgenössischen Rezensionen elektroakustischer Werke und Aufführungen wird dargestellt, wie sich ein Wandel in der DDR-Kulturpolitik insbesondere in der Beurteilung vom Verhältnis des ausübenden Musikers zur Technik, von inhuman zu fortschrittlich, vollzieht.
Monumentale Erinnerung – ästhetische Erneuerung
Die Musikkritik und die musikbezogenen Schriften der sogenannten Neudeutschen sind Thema dieser Studie. Als Neudeutsche Schule wird die lockere Gruppierung von deutschen und französischen bzw. französischsprachigen Komponisten des 19. Jahrhunderts bezeichnet, zu der vor allem Richard Wagner, Hector Berlioz, Franz Liszt und am Rande auch Robert Schumann und Schüler wie Hans von Bülow zählen. Untersucht werden sowohl die neudeutschen Schriften zu Beethovens Werk als auch die auf eigene Kompositionen bezogenen Texte der genannten Autoren. Im Mittelpunkt steht hier zum einen die Frage nach der durch die Erinnerung an Beethoven inspirierten progressiven Musikästhetik in Texten der Neudeutschen. Zum anderen behandelt der Band anhand der neudeutschen Beethoven-Rezeption die sich wandelnden Strategien des Medientransfers in Bezug auf die Versprachlichung von Musik nach 1800.
MUSIK-KONZEPTE Sonderband - Musik der DDR?
Dass Musik immer Teil der Gesellschaft ist, in der sie entsteht, ist eine musiksoziologische Trivialität. So leicht die gesellschaftliche Bedingtheit von Musik einzusehen ist, so schwierig ist es allerdings, das Verhältnis von Musik und Gesellschaft genauer zu bestimmen, vor allem dann, wenn eine Gesellschaft wie im Falle der DDR unter den totalitären Bedingungen einer Diktatur in relativer Unfreiheit zu existieren genötigt ist. Dass sich im wirklichen Leben "richtig" und "falsch" in den allermeisten Fällen nicht wie schwarz und weiß gegenüberstehen, darf als eine nicht zu bestreitende Erfahrungstatsache gelten, die auch die Musikgeschichtsschreibung vor nicht unerhebliche Probleme st...
Marie Lipsius alias La Mara (1837-1927)
Unter dem Pseudonym La Mara veröffentlichte die aus Leipzig stammende Marie Lipsius im Herbst 1867 ihre ersten Artikel: biographische Skizzen über Robert Schumann, Frédéric Chopin und Franz Liszt. Ihre zahlreich folgenden Texte wurden zu populären Medien der Musikvermittlung, doch unter Fachkollegen provozierten sie die Frage, ob Biographien, noch dazu geschrieben von einer Frau, anerkannter Teil der Musikforschung sein könnten. Um Musikwissenschaft als universitäre Disziplin zu etablieren, waren Grenzziehungen nötig, die bis weit ins 20. Jahrhundert Bestand haben sollten: zwischen Werk und Leben, Komponist und Interpretin, Philologie und Kritik, Wissenschaft und Literatur. Das Buch würdigt erstmals Lipsius' Arbeit als Biographin, Editorin, Kritikerin und Schriftstellerin. Gleichzeitig öffnet ihre Biographie einen Blick in die Institutionalisierungsgeschichte der Musikwissenschaft.
Das Mächtige Häuflein
Kiril Georgiev setzt sich mit der Ästhetik und Stilistik des Komponistenkreises „Mächtiges Häuflein“ vor dem Hintergrund der soziokulturellen Situation Russlands während der „1860er“-Jahre auseinander. Er zieht dabei ergänzend aber auch vergleichend sowohl deutsch- als auch russischsprachige Primär- und Sekundärliteratur heran. Im Zentrum seiner Studie steht die Frage nach der historischen und zeitgenössischen Interpretation des Begriffs „nationale“ bzw. „russische Musik“ am Beispiel des Komponistenkreises und dessen Rezeption in Deutschland und Russland.
